• Obra de Portada: Colección Dibujos "Lava-mente" | Pablo Solari | 32x44cm| Lápiz sobre papel | 2019 | Obra disponible

• ENTREVISTA:   PABLO SOLARI - PARTE 2
• 22 SEPTIEMBRE 2021 - 30 SEPTIEMBRE 2021
• Flores | Ciudad de Buenos Aires
• por @tamarabruzoni
• TP&GO! Magazine Digital

✪  Hablando de sus famosas pinturas de vendimias y zafras... Por favor continuá con tu relato sobre la representación de la Cultura Latinoamericana

Bien. Si tomamos como ejemplo a Rivera y a otros, son muy localistas en relación a su contexto particular de país. Pero no son representativos de toda Latinoamérica.

Como estudié mucho sobre la cuna de la pintura italiana, creo que logré ligarlo con las tradiciones latinoamericanas, en cierta manera.

No he visto una zafra tampoco. Sin embargo, después de una intervención en la vista, viajé a ver a mi hermano a Arequipa (Perú). Le comenté que quería ver una zafra, y me indicó que en ese momento estaba un poco parada la actividad. Entonces me llevaron a visitar un ingenio azucarero.

Era una locura para mí!! Estaba sin producir, pero fue una gran experiencia. Me agarré una caña y me la traje en la valija. A partir de ella, y habiendo conocido el lugar, imaginé toda la escena: La imagen de los zafreros enroscados entre las cañas. Enrocados sí, pero no en un sentido de lucha o violencia, sino más bien en un abrazo con la naturaleza. Tomando los frutos de la naturaleza con agradecimiento y con delicadeza. No en una escena de enfrentamiento.

Desde una zafra a una vendimia, ese intercambio se vuelve a producir. Respetando a la naturaleza, en lo que da y en lo que se toma de ella.

Recuerdo que mi abuela me había contado que tenía árboles de olivos en Italia. Relataba que las aceitunas eran cosechadas y llevadas a un frantoio*. Cuando visité Italia, pedí que me llevaran a conocer un frantoio*.

La producción a América llegó con otros avances a través de la inmigración. La forma en que se trabajaba la tierra, los misioneros que trajeron la uva… Anteriormente, las cosechas eran diferentes, y también los usos que de daban a esa producción. Por ejemplo, el tomate que se utiliza como base para las salsas, quizás aquí tenían un consumo asociado a otro tipo de fruta.

Nota de Redacción: El olivo "Frantoio", es una variedad italiana de olivo originaria de la región de la Toscana. Con ese mismo nombre se conoce también al molino de piedra o almazara que se utiliza para obtener el aceite de los frutos del olivo).

✪ Claro! Yo viví la herencia de mi abuela de familia vasco-francesa que me enseñaba a cocinar la salsa poniendo el tomate la final para que no quedara ácida. Y una vez, una "mamma italiana" que me visitó en casa (Rossana Ciannameo), me enseño a cocinar la salsa iniciando con el tomate desde el principio! Ambas igualmente ricas, pero diferentes…

En la cocina, todo el mundo tiene sus secretos y sus puntos. El secreto es el momento en el cual se van incorporando los ingredientes. Es también un “arte”.

✪ Muy cierto. Desde la concepción de la obra.

Dejo que lo interpreten como quieran. Claro, pueden coincidir o no… Cuando escucho ESAS cosas, me dan más motivos para hacer otros cuadros!

✪ ¿De qué manera definiría sus obras?

Siempre digo que mis cuadros son historias contadas. Soy muy vehemente. Si quiero imponer o expresar algo hago que todos mis personajes se orienten a ese mismo tema. Que todos los personajes hablen desde su punto de vista sobre el mismo tema. Esto hace que baje el margen de error. No uso bocetos. Pinto directamente con el pincel. Sé exactamente donde se ubicará un rostro, una mano, un elemento. Después vienen los detalles. Yo ya tengo definido el sentido esencial de cuadro cuando lo inicio. El resto es racional. La disposición, la composición cromática, etc.

Recuerdo, con el cuadro “La Verónica”, por ejemplo. Alguien me marcó un supuesto error anatómico en la posición de cuatro dedos del pesonaje. Y le respondí que no. Que si yo cambiaba la perspectiva de los dedos en la figura, señalarían a otro sector del cuadro. Y en mi caso, como artista, decidí que el personaje dirigiera la visión del espectador a otra parte.

Era mi primera muestra de arte, y estaba aterrado por las críticas que pudiera recibir. Yo no era egresado de Bellas Artes, pero eso duró cinco minutos. Después, las personas empezaron a hablar bien y a hacer buenos comentarios y el miedo desapareció.

Yo soy de reforzar mucho con los detalles e intento evitar esos errores. Si veo que la obra tiene un error, no muestro el cuadro, porque no me conforma a mí. En cambio, si la obra me conforma, la firmo aunque no esté terminada. Cuando la firmo, ya está. 

✪ De acuerdo a lo expresado anteriormente ¿Qué diferencia considera entre un artista y un pintor?

Hay diferencias. San Francisco lo había dicho bien:

“El artesano es el que trabaja con las manos. El pintor es el que trabaja con el corazón. El artista es el que trabaja con las manos, el corazón y la cabeza”

Además, es otro concepto. Yo puedo tener una habilidad o una facilidad. Por aprendizaje, por técnica de estudio, etc. Aplica a todo tipo de arte. Puede haber, por ejemplo, alguien que sepa tocar el piano, pero no necesariamente será un buen concertista o un Chopin.

El artista es otra cosa, es una forma de vida. Yo estoy todo el día pensando en el arte, buscando arte. En los cuadros que tengo, por ejemplo, si me encuentro con un problema estoy pensando constantemente en cómo resolverlo. 

✪ Dedicándose al arte, es un comunicador social. ¿Cómo se ve a si mismo en esa posición? ¿Cuál es el mensaje que quiere transmitir a la sociedad con sus obras?

Yo expreso lo que siento. Los temas los extraigo de la vida cotidiana, o de recuerdos míos. O lo que veo por la calle, en un diario, o en un noticiero, o en una película.

Recuerdo que un día iba a cruzar la calle de mi casa. Frente a mí se planta un carro de cartoneros. El padre transportaba ese carro repleto de cartones y, sentada allí, había una nena. Me clavó la mirada... ¡Y ya tenía el cuadro ahí!

Representé en el cuadro lo que me decía la chica con la mirada. Soy muy observador. Por ello, defino mi estilo es “realismo interior”. Hago hiperrealismo sin tener el objeto adelante. Porque busco el interior de las cosas. Pienso en el porqué y en el cómo solucionarlo. Tengo unos cuadros de mendigos. Implemento el mensaje de lo que dicen en la mirada. Lo que me marca es eso. Por ejemplo. Un niño exige porque es un derecho. Les exigen a los padres alimento, porque es su derecho. No es una mirada instigadora, sino una mirada del derecho genuino.

Comprender al otro y comprender las miradas es algo necesario. No cruzarse de vereda. Lo que me gusta destacar en mis trabajos es, justamente, el trabajo como dignificador del hombre. El orgullo de mi padre era ése, llevar el pan a la mesa. No grandes manjares, sino el pan, la comida para la familia. Dignificar ese concepto es importante.

Por ello, en mi cuadros, la expresión es por los ojos hacia el interior. Las manos son el pincel del alma. Por ello marco con las manos como instrumento la dirección. Siempre dando un mensaje. Es el trabajo, el de ver al otro.

✪ Es la contraposición al individualismo…

El hombre, para aislarse de lo que ocurre y no quiere ver, se aísla en sí mismo. Se acomoda con todo lo necesario para tener un mundo confortable. En ese propio mundo se encuentra con su soledad y su miseria. Después, se da cuenta de que es un ser social, y busca conectarse con los otros, desde su propia isla. Pero los otros también son islas. A fin de cuentas, son un archipiélago de islas. Entonces necesita ser masa, aparecer en algo. Ser destacado, que lo llamen, que lo mimen. Que se fijen en él o que le toquen el timbre.

✪  La necesidad de ser necesitado por el otro….

Sí. He hecho alguna vez un cuadro sobre ello. He visto personas en la calle con el celular en situación de espera de que alguien lo llame.

Es consabido que un perro es una mascota que da cariño. Hay ciertas personas que van por la calle con más de un perro! En cambio, el gato es un animal que necesita cariño, pero es independiente. Esas carencias, también son aspectos que me gusta expresar. A los problemas de tipo social, me gusta expresarlos y propongo darles también la solución en la pintura. Es algo propio de la pintura local argentina: Lo social, lo costumbrista. Cuando intentan dominar a la población, toman por las astas a la cultura y a la religión.

✪ ¿Cómo ve la relación de las galerías con los artistas?

Es complejo, y hasta a veces arruinan artistas. Hay contratos por stock de decenas de obras que se manejan en un mercado valorativo de oferta – demanda. Los artistas quedan ajenos a esos manejos porque no hay control. A mi no me agarran más! No se puede hacer arte como quien hace galletitas…

✪ ¿Has tenido oportunidad de estar en contacto con personas que han comprado tus obras?

Sí. Lo más lindo es cuando, por ejemplo, un nuevo dueño me cuenta que se pasa horas mirando el cuadro y dialogando con los personajes. Cada vez le encuentro más sentido.

Y es fantástico, porque yo también lo hago cuando pinto. Les agradezco.

Cuando pinto yo dialogo con los personajes. Voy encontrándoles el sentimiento y a veces hasta les cambio la expresión.

✪ Mirando el cuadro de la zafra, observo que me devuelven una sensación de vital… Los sonidos de las cañas que brotan con las personas que las trabajan. Observo también un calendario de la Cruz Roja y un cuadro de Pablo Solari entre ellos.

Los calendarios de la Cruz Roja son muy significativos para mí. Cuando los observaba de pequeño me encantaban, y con ellos mi madre se percató sobre mi inclinación al arte.

Cuando tuve esa charla con mi madre (a los 4 ó 5 años que mencioné al principio), vi el Calendario de la Cruz Roja y le dije; "Algún día voy a estar también yo en uno". Y así fue en el Calendario de 2003. 

Una vez me preguntaron si era yo seguidor de Berni, y tuve que confesar que no sabía quién era. Yo me mantuve siempre ajeno a lo contemporáneo porque no quería hacer nada parecido a nadie. Conocía a Pío Collivadino por su obra “La hora del almuerzo” y había vivido en el barrio. A Quinquela Martin porque era muy renombrado. Cuando lo fuimos a visitar, tendría yo 14 años, me regaló un catálogo firmado.

Este cuadro fue seleccionado para las tarjetas de Navidad. Lo llamé “Generación virtual”. Representé a todos los personajes de la época, en 2002. Tiene mucho simbolismo.

Está quien se maneja solo a través del periodismo, que no tiene un criterio propio sino que se deja llevar. Está quien finge, y tiene una máscara. Aquel narcisista, que todo el tiempo actúa desde el “yo soy”. Aquel que sigue a la moda. A quien se aferra a la suerte, sosteniendo una perinola. Aquel que tiene envidia, que se mira hacia adentro desde el otro. La mujer que no elige la maternidad, y se conforma con un muñeco de trapo. Y otros. Están enmarcados en un contexto de cartón, pero tienen una suerte de granero con alimento que les garantiza un cierto porvenir, pero es una garantía falsa. Y agregué a otro personaje, que es un hombre diferente, que está desgarrando la tela y demostrando a todos los ajenos que hay un mundo diferente.

• Obra "Generación Virtual" | Pablo Solari | Óleo s/tela | 120x140cm | 2002 | Colección privada

"El arte eleva, ya sea la pintura, la literatura o la música, … siempre eleva, nunca degrada. Los clásicos siempre elevan y ven lo positivo desde la reflexión. No se quedan con lo negativo y lo chato. Siempre pienso que tener en casa un cuadro desagradable y violento es negativo en varios aspectos. En cambio, tener un cuadro que eleva a través de su mensaje, es una manera de elevar el propio espíritu."

Mis agradecimientos a Integral Concept Latinoamérica por haber llevado adelante la Exposición Virtual Hagamos un Puente ARGENTINA URUGUAY 2021, y al equipo de TP&GO! Magazine Digital. 

• Página web: https://www.pablosolari.com.ar/index.html

Gracias a toda la audiencia por seguirnos. Gracias eternamente a Integral Concept Latinoamérica!